この美術館のコレクション展。
毎回、様々な趣向を凝らせたテーマが提示されるが、今回は写真家の視点と、それを表現する様々なテクニックに注目した内容になっており、”見ることの重奏”と題されていた。
This is an exhibition of the museum's collection.
Each time, a different and elaborate theme is presented, but this time the exhibition focused on the photographer's perspective and the various techniques used to express it, and was titled "The Resonance of Seeing".
一番印象に残ったのは、奈良原一高がデュシャンの『大ガラス』を撮影した作品。
瀧口修造が晩年にデュシャン論を出版するため、その口絵用に依頼されたが、残念ながらその本はついに出版されなかったという。
The most memorable work was Narahara Ikko's photograph of Duchamp's "The Large Glass."
Takiguchi Shuzo was commissioned to create this photograph for the frontispiece of a book on Duchamp that he was publishing in his later years, but unfortunately the book was never published.
寺田真由美は、室内のミニチュアを作り、それを自然光で撮影する手法を使っている。
被写体も含めて全て自ら制作する、文字通りのアーティスト。
外の風景を、敢えてぼかして撮影していた作品が心に残った。
Mayumi Terada's technique is to create miniature interiors and photograph them using natural light.
She is quite literally an artist, creating everything herself, including the subjects of her photographs.
The work that stuck with me was one in which she deliberately blurred the outdoor scenery.
杉浦邦恵は、シカゴ・アート・インスティトゥートで写真を学び、ニューヨークを拠点に活動している。
シカゴ名物のサブウェイの線路を撮影した『行き止まり』という作品は、思わず2度見してしまうほど惹きつけられた。
Kunie Sugiura studied photography at the Art Institute of Chicago and is based in New York.
Her work "Dead End," a photograph of Chicago's famous subway tracks, was so captivating that I had to take a double look.
山崎博は、被写体を選ばず、与えれらた環境を撮影し、作品を制作するというスタイル。
写真家としての力量だけで勝負するということか。
この展覧会のテーマを、最もよく体現している写真家のように感じられた。
Yamazaki Hiroshi's style is to photograph any subject and create his works by photographing the environment he is given.
It seems that he competes solely on the basis of his ability as a photographer.
I felt that he was the photographer who best embodied the theme of this exhibition.
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